Marengo dá nome ao famoso cavalo de guerra de Napoleão, baptizado após o sucesso da Batalha de Marengo (1800) que opôs o exército francês às forças austríacas, mas também à nova criação da jovem coreógrafa Ana Isabel Castro, apresentada em estreia nacional no passado sábado na Mala Voadora, com curadoria do Teatro Municipal do Porto (TMP), no âmbito do DDD — Festival Dias da Dança + FITEI — Festival Internacional de Teatro de Expressão Ibérica. Uma versão inicial da peça fora já apresentada há cerca de um ano no ciclo Palcos Instáveis — uma iniciativa da Companhia Instável, em coprodução com o TMP, para incentivar o trabalho de criadores emergentes da cidade do Porto e do Norte do país.

O mesmo mistério que rodeia a história e a figura deste cavalo, o subtil desconcerto que em pergunta nos serve aqui de título, e um contraste de paradoxos e alegorias barrocas revestem Marengo, este espetáculo coreográfico, de uma belíssima e inquietante força plena de ambivalências: entre a criação e a morte, a ingenuidade e a provocação, o visível e o invisível, o saturnino e a exuberância.

A artista está presente — é o que nos ocorre quando entramos pela lateral da black box até à plateia. Perante a figura da coreógrafa, recortada na escuridão sob um foco de luz, num vestido vermelho barroco que lhe cobre os pés, olhar fixando e acompanhando, um a um, os espectadores, num cumprimento que se funde, estranhamente, em generosidade e desafio, recordamos a célebre performance de Marina Abramovic no MoMA, em 2010, em que esta recebia individualmente os visitantes para um contacto de olhar.

Black-out. Dá-se início a uma composição coreográfica clássica em três actos, com um coro de três vozes a pressagiar cada momento. Três entidades soturnas, cujas figuras nos recordam a personagem da morte em O Sétimo Selo (1957), de Ingmar Bergman, as suas vozes entoam versões tão magníficas quanto angustiantes de Nancy Sinatra, como a que abre o primeiro momento, Summer wine, com uma intensidade que magnetiza o público, ou a célebre Bang bang (My baby shot me down), cantada em modo fúnebre, abrindo o segundo momento. Após cada interlúdio coral, o black-out prepara a coreografia que se segue. Ao som da 1ª sinfonia de Beethoven, com a intérprete em blusa transparente de tule negro e calças pretas de látex brilhante, o primeiro momento coreográfico enuncia a combinação dos contrastes que irão pautar toda a composição: gestos de grande proficiência técnica são subvertidos por apontamentos muito subtis de ironia e provocação que desafiam o público e distorcem a linguagem coreográfica.

No segundo acto, profundamente provocador, Ana Isabel Castro, em figurino branco com apontamentos barrocos, senta-se no centro do palco em pose altiva, e é seguida por uma performer afro-portuguesa que lhe faz lentamente umas longas tranças, com a severidade que antecipa um momento dramático, evocativa de iconografia da época que figura serventes ou escravos negros.

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No último acto, novamente ao som de Beethoven, cai um pano rendado branco que filtra a visão do movimento da bailarina em palco pelo público, acentuando a invisibilidade e o mistério que atravessa a peça.

O coro regressa uma terceira vez e é com as suas vozes que se fecha esta travessia dramatúrgica que oscila entre imagens fortemente pictóricas e cristalizadas no tempo, quadros coreográficos de uma bailarina entre o negro e o branco, a delicadeza e a provocação, e o som de vozes em uníssono que emanam de figuras pressagiadoras do peso dos tempos.

Partindo de uma estrutura clássica, Ana Isabel Castro subverte com ironia e erudição os pressupostos da linguagem e da composição coreográfica. Estreia-se com uma surpreendente peça de dança enquanto espectáculo, que combina rigor técnico com um cuidadoso desenho sonoro e de espaço, convocando uma ampla constelação de referências em permanente inquietação: históricas e críticas, pictóricas e musicais, intimistas e oníricas.

Texto alterado para incluir informação adicional sobre uma anterior apresentação da peça