Em co-produção com Fundação Juan March, decorreu na Fundação Gulbenkian o ciclo Iberia, dedicado às relações musicais entre Portugal e Espanha, e composto por quatro concertos de música antiga e duas curtas mesas-redondas. O período cronológico estendeu-se de c. 1550 a c. 1800; no concerto inaugural, só os 50 anos mais recentes ficaram de fora, enquanto os restantes se concentraram numa época ou num estilo.

O recital do cravista Pierre Hantaï percorreu, na primeira parte, peças desde Antonio de Cabezón (1510-1566) a Juan Bautista Cabanilles (1644-1712), enquanto a segunda parte foi dedicada a Carlos Seixas (1704-1742) e Domenico Scarlatti (1685-1757). Em tudo o cravista colocou a marca do seu virtuosismo, feito não só de fluidez e fulgor, mas também de clareza na articulação e de perfeição no balanço rítmico. As célebres variações sobre o tema Las Vacas, de Cabezón, soaram surpreendentes e acutilantes, enquanto as Passacalles de primer tono, de Cabanilles, apresentadas como primeira audição moderna, foram dadas de forma absolutamente feérica. A conexão estilística entre Seixas e Scarlatti foi sublinhada por uma interpretação em que não se negou ao primeiro o golpe de asa geralmente associado ao segundo, nem a este último a delicadeza galante característica do primeiro. Longe vão felizmente os tempos em que se tentava, com Seixas, demonstrar a oposição entre a alma portuguesa e a espanhola, e em que se supunha ter sido Scarlatti surdo à música ouvida em Lisboa!

De facto estava-se então em pleno período de assimilação, nos reinos ibéricos, da música coeva italiana, processo que se acentuou com a chegada de alguns dos seus mais destacados representantes, como Scarlatti. Pelo contrário, Jayme de la Té y Sagau, músico de origem catalã que residiu em Lisboa cerca de 30 anos (entre 1706-7 e 1736), é ilustrativo do anterior período de transição. Embora tenha montado na capital uma oficina de impressão musical, é hoje virtualmente desconhecido como artista; este ciclo deu-nos a oportunidade de o apreciar como compositor capaz da expressão textual mais veemente. Deliciámo-nos com a faceta amável da cantata a solo Ansia enemiga, mas também com a faceta furiosa e virtuosística, mais ao estilo italiano, da cantata a solo Qué me quieres, ambas defendidas com inigualável verve por Ana Quintans e Carlos Mena, respectivamente. As duas facetas surgiram bem representadas no último duo do programa, Miró a Matilde el Amor, uma obra belíssima que demonstra à saciedade o virtuosismo retórico do autor e, por implicação, a capacidade de realização artística e intensificação emocional da vida musical lisboeta de inícios do século XVIII. Contudo, sendo estas cantatas relativamente curtas e sem forma fixa, a opção de as interromper a meio para que o teclista mudasse de instrumento (cravo ou órgão) prejudicou desnecessariamente a percepção da sua unidade; também a opção de as intermediar com uma só peça para cravo de cada vez pecou por saber a pouco.

No que respeita à música vocal, o ciclo contou ainda com o Coro Gulbenkian, numa versão de apenas 16 vozes, sob a direcção segura e sensível de Pedro Teixeira. Este apresentou um programa de obras marianas ibéricas dos séculos XVI-XVII, em que avultou, na segunda parte, a estreia moderna do Magnificat do 8º Tom de Filipe de Magalhães (c. 1571-1652) e, na primeira, a Missa Maria Magdalena, a seis vozes, de Francisco Garro (c. 1556-1623). A textura frequentemente cerrada desta última obra deriva de um motete de Guerrero; o tratamento do Credo e especialmente o Sanctus e o Agnus Dei revelaram-se admiráveis, apesar de os naipes de soprano terem soado pontualmente pouco confiantes e coesos. Houve também ensejo de escutar, entre outras peças, a exploração magistral do hino Ave maris stella por Estêvão Lopes Morago (c.1575-c.1630); de Diego Ortiz (1510-1570), o motete Beata es Virgo Maria (raramente executado, mas bela ilustração do ideal de suavidade sonora da época); e a inspiradora energia de Estêvão de Brito (c. 1570-1641) no gradual Sancta Maria e no motete O Rex gloria, que fechou o concerto.

A parte cronologicamente mais recente do ciclo foi confiada ao quarteto de cordas Quiroga, cujas coesão e musicalidade foram patentes ao longo do programa, dedicado ao estilo clássico de raiz haydniana. A par da escrita competente e agradável, mas pouco aventurosa, de João Pedro de Almeida Mota (1744-1817) — um lisboeta que fez carreira em Espanha —, pudemos apreciar a inspiração do Quinteto para cordas com duas violas nº1, de José Palomino (1755-1810) — um madrileno que, a partir de 1733, se integrou na vida musical da corte e dos teatros lisboetas.

Enquanto se realizava este concerto, no Museu da Música dava-se a ouvir, através do pianista Philippe Marques, João Domingos Bomtempo (1771-1842), da geração seguinte, cujas referências se encontravam sobretudo em Paris e Londres. Ao princípio da noite, num programa intitulado Viena-Lisboa 1816-1916, a Orquestra Metropolitana, sob a batuta de Pedro Neves, apresentou no Teatro Thalia uma bela interpretação da Sinfonia nº 4 de Schubert, escrita em 1816, e o Concerto para violino de Luís de Freitas Branco, escrito um século depois. Embora haja ainda margem para que a interpretação cresça em equilíbrio orquestral e convicção solística, o violinista Carlos Damas alardeou segurança técnica e beleza tímbrica numa obra tardo-romântica, em muitos aspectos atractiva, sobre a qual pairam o melodismo de Grieg e o fôlego épico de Rimsky-Korsakov, especialmente patente na orquestração, onde sobressaem, de forma surpreendente, os metais.

Mais um século decorrido, Luís Tinoco escreveu Cassini em celebração dos 25 anos da Orquestra Sinfónica Portuguesa — mas sobre a sua estreia no passado domingo, no Centro Cultural de Belém, pela mesma orquestra, ao mesmo tempo que Té y Sagau era revelado na Gulbenkian, infelizmente só podemos especular.