O debate não é consensual e o discurso evita a ideia de citação, a do discurso sobre o discurso como forma de criação. E os mais críticos afirmam mesmo que esta exposição não veio ajudar sequer a acrescentar tópicos para ajudar a pensar sobre o tema da criação em arte no momento actual. Nem mesmo quando o texto do catálogo diz que as obras aqui reunidas, ou, numa perspectiva mais ambiciosas, as obras da pintura contemporânea, só podem ser lidas à luz deste tempo enquanto ele é a junção de todos os tempos. Ou seja, elas são atemporais.

Organizada por Laura Hoptman (ex-curadora do New Museum, em Nova Iorque, onde foi responsável, entre outras, pela então muito bem recebida exposição do pintor, performer e poeta Brion Gysin, Dream Machine), desde 2010 curadora no Departamento de Pintura e Escultura do MoMA, esta é uma exposição tão ambiciosa quando arriscada. O crítico de arte Jason Farago classificou-a mesmo de “missão suicida” num texto que assinou para o britânico The Guardian e acusou-a de se ficar por uma abordagem cómoda, incapaz de lançar um debate sobre a arte e o seu papel – incluindo o do mercado – no actual momento. Como, por exemplo, o facto de muitos dos artistas mais representativos do que se faz actualmente na pintura não estarem nas colecções de museus, quase todos sem capacidade monetária para pagar os milhões que a especulação vai ditando, mas sim em galerias ou nas mãos de particulares. O que faz com que alguns dos que poderiam estar aqui não estão, por isso mesmo ou por não pertencerem à mais estimada das correntes actuais pelo MoMA: o abstraccionismo.

O coro dos que apontam falhas à selecção é vasto e estende-se aos principais meios de comunicação onde esta exposição tem sido debatida. No fundo, esse coro que elogia a qualidade de muitas das obras presentes, e que questiona outras, não vê na selecção um conjunto capaz de elucidar acerca da pintura que se está a fazer, nem de ser capaz de sustentar o tal argumento que fundamenta a exposição: a de uma suposta intemporalidade do que se faz actualmente na pintura, ainda que essa possa ser uma “verdade”.

Várias gerações em 82 obras

Factos:
The Forever Now não é uma exposição para retratar uma geração. Apesar de grande parte dos artistas aqui representados terem começado a trabalhar na década de 90 do século XX, há diferenças de idade consideráveis entre eles. Amy Sillman, a artista mais velha dos 17 eleitos, conhecida pela riqueza de cores e texturas dos seus trabalhos, tem 59 anos. Oscar Murillo, a nova super-estrela das artes plásticas, com peças cotadas no mercado em centenas de milhares de euros, tem 28 anos. A exposição também não tem a preocupação de apresentar uma geografia repartida, e o atlas é muito limitado (a virtualidade, o estarmos em todo o lado a partir de um ponto qualquer que ele seja, terá esbatido essa necessidade?). Entre os 17 artistas, 13 são norte-americanos (uma delas, Julie Mehretu, 44 anos, tem origem etíope), três vêm da Alemanha e há um colombiano.

Que expectativa ter, então, ao entrar no sexto piso do MoMA e deparar com as 82 obras ali expostas? O espaço parece pequeno para o que se vê à partida. Procuram-se respostas ou pontos de partida que sustentem o debate desta nova “tendência” em telas gigantes, como por exemplo o tríptico de Matt Connors (n. 1973), Variable Foot, artista que confessa inspirações no cinema e na literatura, três cores, vermelho, azul e amarelo verticais, autor de três obras neste espaço. Ou no imenso painel branco pontuado pela sinalética de Joe Bradley (n. 1975).

Os organizadores socorrem-se da premissa da mostra para explicar a escolha: The Forever Now quer ser a exposição de um momento paradoxal, o início de um novo século, definido a partir de um conceito que Hoptman foi buscar à literatura: o de “atemporalidade” (atemporality), tal como o definiu o escritor de ficção científica, também norte-americano, William Gibson (n. 1946). A ideia é a de que a cultura, numa época determinada pelo digital, superou as fronteiras de espaço e de tempo. Tudo existe em simultâneo, e tudo, de todos os tempos, está disponível para ser usado agora.

De um modo sucinto: como fica a pintura na era do digital? “Interessa-me não a imagem da Internet, mas a informação que ela fornece”, disse Hoptman recentemente sobre o tema, acrescentando numa entrevista à revista Art in America que a noção de atemporalidade assenta na disponibilidade de informação; é acerca da capacidade de ver muitas coisas ao mesmo tempo, uma noção que, tal como Jung na Psicanálise, designa como de sincronismo.

Originalidade e transcendência

Em
Forever Now estão em causa ideias tão essenciais como o que é a originalidade ou o sentido de transcendência numa obra de arte. Só que agora olhadas a partir de um tempo em que a eternidade ganha uma nova dimensão. O 'para sempre' é agora e isso faz repensar todo o discurso criativo. Um tempo de acesso total, uma era em que a intemporalidade ganha forma não como ideia mas como condição, com o futuro a perspectivar-se, deste ponto de vista, em muitas formas criativas, como uma distopia.

“Estou a trabalhar com um parâmetro temático de atemporalidade que não criei”, diz Laura Hoptman, numa referência à nova noção de originalidade revista à luz de que, afinal, há algo de inalcançável. “Com a noção de progresso, tínhamos esta ideia de que era possível fazer melhor e melhor até atingir uma espécie de perfeição”, continua Hoptman, mas “e se essa busca não for mais o caminho?”, interroga-se a curadora. “Ficamos todos sentados a chorar o facto de já termos visto tudo antes?”

E Hoptman aponta uma alternativa: “Há um modo de olhar a criatividade que não tem necessariamente a ver com a ideia de criarmos algo que nunca tenhamos visto antes. Pode passar por reinterpretar ou interpretar de forma ‘errónea’ o que está à nossa volta”, justificou, no que já chamaram como uma recuperação do formalismo zombie, que é algo que ultrapassa as artes plásticas e também está na literatura, no cinema, na música. Enquanto sinónimo de reincarnação da morte, numa perspectiva positiva (o termo é mais uma vez de Hoptman). No caso, despertar para correntes e artistas esquecidos, estilos considerados ultrapassados, mas actualizados de acordo com o que podem ser necessidades políticas, sociais, económicas. Isso é o que fará a contemporaneidade.

O ponto de partida não é consensual. O debate sobre a originalidade na arte não se limita à pintura. Muitos teóricos falam de uma espécie de bloqueio que chega à arte como reflexo de algo maior. Todos procuram respostas. Laura Hoptman quis fazer isso com Forever Now… Diz ela que o paradoxo do nosso presente é a mistura de muitos passados. "No nosso ‘hoje’, as pessoas têm licença para partir de todos os tipos de fontes. Não significa que isto seja verdade daqui a cinco anos. Eu não sei o que irá acontecer daqui a cinco anos”, conclui, remetendo esta exposição para o momento actual, o tal que nos parece eterno enquanto dura.

pode ser visitada no MoMA até 15 de Março.