Através de um confronto entre os discursos utópicos e distópicos, esta exposição apresenta um conjunto de cerca de 60 obras, concebidas por artistas e arquitectos, que pretende reflectir sobre as expectativas e contradições do nosso tempo. Hoje, após 500 anos da primeira edição do livro Utopia (1516) de Thomas More, somos de novo confrontados com mais uma prova de que a História não acabou. Estamos por isso mais conscientes, mais cínicos, mais cépticos, tendo perdido a ingenuidade da crença absoluta e optimista no futuro. Daí sermos convidados a visitar esta exposição com uma abertura e uma leitura desassombrada das coisas.

Através de um confronto entre os discursos utópicos e distópicos, esta exposição apresenta um conjunto de cerca de 60 obras, concebidas por artistas e arquitectos, que pretende reflectir sobre as expectativas e contradições do nosso tempo. Hoje, após 500 anos da primeira edição do livro Utopia (1516) de Thomas More, somos de novo confrontados com mais uma prova de que a História não acabou. Estamos por isso mais conscientes, mais cínicos, mais cépticos, tendo perdido a ingenuidade da crença absoluta e optimista no futuro. Daí sermos convidados a visitar esta exposição com uma abertura e uma leitura desassombrada das coisas.

O MAAT, enquanto museu que se propõe cruzar os três campos da arte, arquitectura e tecnologia, constitui um lugar privilegiado para problematizar o mundo em que vivemos. Dada a especificidade de cada um dos campos, existe um risco de curto-circuito para o museu — um risco que torna o projecto do museu tão aliciante, mesmo que possa, no final, falhar ao tentar alcançar o seu objectivo de cruzamento. Pedro Gadanho, director do MAAT, assume a ambição do museu em constituir-se como um lugar “onde artistas e arquitectos são colocados ao mesmo nível intelectual.” Ao pretender afirmar a função cultural da arquitectura, para além da sua vocação estritamente funcional e técnica, Gadanho revela a vontade de provocar no MAAT um encontro que nem sempre será pacífico, como se poderá constatar ao longo desta exposição.

Na secção inicial, intitulada Cidades Ideais?, o artista Pierre-Jean Giloux revisita o metabolismo japonês numa aura onírica, através do vídeo Invisible Cities (2015), sobrepondo às filmagens reais da cidade de Tóquio imagens realistas dos projectos não construídos do arquitecto Arata Isozaki, Clusters in the Air (1962), e do arquitecto Hisho Kurokawa, Helix City (1961). Numa outra parede, encontra-se exposta uma reprodução em grande formato do painel Exodus or The Voluntary Prisoners of Architecture (1972), um dos primeiros projectos do Office for Metropolitan Architecture, concebido como uma parábola gráfica inspirada no Muro de Berlim, e que hoje ganha um outro significado com o anúncio da construção de novos muros na América e na Europa.

Na segunda secção, dedicada às Ruínas da Modernidade, a artista Clara Ianni apresenta Forma Livre (2014), um dos vídeos mais perturbadores da exposição, no qual coloca em causa a aura radiosa que envolve o projecto urbanístico de Lúcio Costa e Oscar Niemeyer para Brasília, através de dois excertos de entrevistas realizadas aos arquitectos por um jornalista que os questiona sobre um massacre ocorrido em 1959, durante a construção da cidade, para travar uma greve de operários. A negação do acontecimento, assumida nas entrevistas por parte dos dois arquitectos, ofusca o lado luminoso, optimista e utópico, normalmente associado à construção de Brasília. Numa outra peça, intitulada Paraíso (2017), o arquitecto Pedro Bandeira imagina o interior do Palácio de Cristal, no Porto, ocupado pela utopia de uma natureza luxuriante subtilmente invadida pela distopia da presença de turistas, lixo e dispositivos de vigilância, numa experiência de submersão total neste imaginário através de um dispositivo de realidade virtual.

Na secção seguinte, em torno das Visões Tecnológicas, as obras reunidas procuram contrariar a crença optimista no progresso tecnológico. Como imagem de abertura, é apresentado um frame do Metropolis (1927), filme de Fritz Lang — uma pertinente referência que nos recorda que tanto o cinema, como a literatura, poderiam ter sido mais convocados nesta exposição. Na quarta secção, intitulada Utopias Pessoais, a imagem de abertura, da autoria do colectivo de arquitectos Archigram, juntamente com o texto de apresentação dos curadores, evidencia a estratégia adoptada: “Revelando interpretações próximas a sonhos ou a desejos íntimos, recorrendo à simulação de mundos alternativos a partir de fantasias ou de experiências comuns, estas obras convocam, afinal, uma imaginação colectiva que ambiciona responder às rápidas transformações do nosso tempo.” A peça do artista Miguel Palma, Sementeira (2006), ilustra bem este impulso utópico que emana de uma experiência individual, com a proposta de transformação de um dispositivo de guerra numa máquina que lança projécteis carregados de sementes para áreas inacessíveis ou desertas.

A última secção propõe uma reflexão sobre A Situação Corrente, a partir de trabalhos que “ecoam os desequilíbrios do momento presente e chamam a atenção para a substituição da tradição utópica pela irrupção de traços distópicos no dia-a-dia”. O vídeo The Current Situation (2015), que dá nome a esta secção, do artista Pedro Barateiro, explora a situação actual de conflitos e de tensões no continente europeu, a partir do simbolismo de uma doença que afectou as palmeiras no sul da Europa. Numa outra abordagem, o colectivo de arquitectos Raumlabor representa uma prática que trabalha junto de comunidades mais desfavorecidas, através do desenvolvimento de projectos participativos baseados em estratégias de reapropriação e auto-construção. Esta prática, assente em processos que os autores designam como “utopias reais”, está patente no vídeo Cantiere Barca (2011), que retrata o trabalho realizado nos subúrbios de Turim com os seus jovens habitantes.

Uma das últimas peças da exposição — o vídeo Mark Trade (2016), do artista Ryan Trecartin — confronta-nos com um trabalho que, segundo os curadores, “potencia reflexões sobre a cultura jovem contemporânea onde se unem niilismo, espiritualidade e valores comunitários, contextualizados por um cenário futurista mais ou menos indefinido.” O vídeo, contaminado por um surrealismo híbrido angustiante, constitui um sinal dessa “irrupção de traços distópicos” que contraria a denominada “tradição utópica”. Esta peça, marcada por uma aparente displicência superficial, contrasta com a militância politicamente empenhada do projecto dos Raumlabor, revelando assim os diferentes posicionamentos possíveis nesta relação de confronto com a realidade.

No final, perante fragmentos tão diferentes, dispersos ao longo das cinco secções, ensaiamos uma síntese a partir do subtítulo da exposição — Mudança de Paradigma, um ambicioso subtítulo que sugere uma reconfiguração da dicotomia entre os dois conceitos de utopia e distopia, no sentido da tensão existente entre ambos poder ser mais consequente e operativa na mediação com as transformações políticas, sociais e tecnológicas do nosso tempo.